美術展 「牧野邦夫―写実の精髄―展」感想 写実の高度な技術に基づいた幻想の構築力

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きっかけは2013年4月27日に放送した「美の巨人たち」で紹介された「未完成の塔」という作品です。

最初はキャンバスの外に突き出ている塔の先端に、なんじゃこりゃ？だったんですが、よくよく絵自体を見てくとなんとも独特な質感で面白い。
わりと近場で展覧会も開催中だったので、早速行ってみた次第です。

ていうか、美の巨人たちはこういう日本の画家をちょくちょく取り上げてくれるのがいいね。
青木繁の「わだつみのいろこの宮」とか、最近だと速水御舟の「洛北修学院村」もインパクトがあった。
テレビ東京さん、今後もこの調子でお願いします。

いちおう牧野邦夫の略歴を。

1925～86年ということで大正から昭和の画家さんです。
レンブラントに強い憧れを抱き、生涯にわたって師と仰ぎ続けたらしい。
画壇に関わりを持つことはなく、個展を開くのみでひたすら自分の世界を追求した人なんだとか。
よって、知名度低し。

ちなみに、小説家の牧野信一を従兄に持つそうだが、僕はこちらも知らなかった。
ただ、2013年のセンター試験で小説が使われて再注目されてるとか。
今度、読んでみようかしらん。

で、展覧会の感想。

これがもう、非常によかった。

人物はレンブラント直系の明暗をはっきりつけた技法で描かれ、リアルな質感と強い主張がある。
それに対して背景や、人物のまとう衣服？は幻想的。
その対比というか、バランスがとても面白い。

しかも幻想イメージの部分も、きっちりと描き込まれているというね。
ご本人は基本的にドラクロワ以前の写実にこだわりがあって、現代絵画はつまらないんだそうで。
でも、単にリアルな描写を追求するわけじゃなくて、現代絵画から「何だってアリ」の精神を学んだということで、なるほど、この画風なわけですな。

とにかく、技術の高い人が描いた絵っていうのは、やっぱり見てて楽しい。
個人的には画力以外にも幻想イメージを描き切る想像力のすごさに感心した。
今現在イラストレーターとかやってる人とかも、刺激を受けると思うよ。

ということで、自信をもっておすすめできる展覧会です。
幻想部分が口にあわない人以外はぜひぜひ。

ついでに言うと、作品数は約120点もあるのに観覧料はなんと￥500。
これも満足度高かった理由のひとつ。

難点をあげるならば、美術館の周囲には駅前の西友ぐらいしかないから、何かのついでに寄るっていうのがしにくいことかな。
まぁ、池袋まで電車で15分くらいだから、そっちで寄り道でもどうぞ。



牧野邦夫画集―写実の精髄

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美術展 「フランシス・ベーコン展BACON」感想 キャンバスの中に並び立つグロテスクと・・洗練？

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初めてこの人の名前を知ったのは、坂本龍一の映画サントラ「愛の悪魔/Love Is The Devil」を買った時。
（いちおう知らない方のために説明するとベーコンの伝記映画ね）
その時は音楽にばかり気が向いていて、映画も見なかったしベーコンのことも調べなかったわけです。
「世界史でおんなじ名前の学者が出てきたよな」ぐらいのもんで。

実際にはピカソと並ぶくらいの評価を受け、オークションでも非常に高値がつくようなすごい人なんだとか。
いや、無知って恐ろしいね。
でも、日本じゃ30年前に個展が開かれたっきりらしいから、日本人にはあんまり馴染みのない画家ではある・・だろう、たぶん。

そんな人の回顧展がついに開かれるということで、行ってきました竹橋に。
駅から北の丸公園に続く歩道は花見目的であろうお年寄りたちと、卒業式終わりらしいスーツと袴の学生たちでいっぱい。
じ、邪魔くせぇ・・・。
ていうか、今年の桜は色味が薄いね。変なタイミングで咲くと、いつもこんなだわ。

まぁ、それはさておき、絵の感想。
「叫ぶ教皇の頭部のための習作」とかを画像でチラ見した時には、なんていうかエゴン・シーレとかエドヴァルド・ムンク（初期ね）に近い作風なのかな、と思ってたんですけどねぇ。

実物を見ると、なんかそうでもない。

確かに、グロテスクなデフォルメなんだけど、シーレみたいな生々しさとか、ムンクみたいな不安感とか、何よりこの２者に共通してる「死」のイメージがこの人の絵にはない感じ。（解説見たら、テーマに「死」なんてなかったし）
特に嫌悪感もなく見れてしまった。

なんでか？
個人的には「洗練されてるから」じゃないか、と。
なんていうか、どんなにグチャグチャにデフォルメしててもスタイリッシュなんだよね。
ベーコン本人はゴッホを尊敬しているらしいけど、ゴッホの絵にある混沌とした情念みたいなものとも違う。

この人の絵にいろんな芸術家が影響されるのは、このスタイリッシュな部分なんじゃなかろうか。
「かっこいい」というか「クール」というか。
「理知的」という方が正しいのかな？

いずれにしても、感覚全開でキャンバスに自分を塗り込んでいくんじゃなくて、一歩引いてる感じ。
本人はインタビューで「意識的には何をしているかわからない時に仕事がうまくいく」みたいなことを言ってたけど、ひとつのテーマを手法を変えて何枚も描いて比較する、なんていうやり方は、やっぱり冷静なスタンスだと思う。

ちなみに、展示されてる作品数はちょっと少ないけど、７～８割が縦横1.5m近い大きいものばかりなので、見ごたえは十分あると思うよ。

ついでに言うと、この国立近代美術館は近現代の日本画家の作品所蔵が粒揃い。
常設展もおすすめです。



フランシス・ベーコン BACON [単行本（ソフトカバー）]

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美術番組 美の巨人たち「安本亀八作 相撲生人形」感想 娯楽なのか？芸術なのか？

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生人形。いきにんぎょう。

素人の知識じゃ、ホラーとか呪いとか「あの人形に触れてはならん・・」みたいなイメージしかできませんわ。
が、江戸後期～明治初期には写真や映像のように人物の姿を残す手段のひとつだったんだとか。

そんな生人形の中でも最高水準といわれる作品がこちら。



マジすか・・。
人物は直立すると２メートル超。
アップにすると髪の毛は一本一本植え込まれ、細かい擦り傷や泥汚れまで緻密に再現されてます。
全体のシルエットから、細部の質感まで半端ない。
こんな巨大なものが４７キロしかないのも、また驚き。

作者の安本亀八は江戸後期に熊本の仏師の家に生まれ、その後、大阪、浅草と居を移し天才人形師として名声を確立した人です。

ちなみに、この二人は日本書紀の記述にある最古の相撲をとった野見宿禰と当麻蹶速だそうで。
実物と比較ができないわけだが、リアルだねぇ。

が、あまりのリアルさゆえに「不気味の谷」ジャストミートな人もいそう。
「不気味の谷」とはロボット工学の概念。
ロボット、ＣＧなどが人間に似てくるほどに上がっていく好印象が、その寸前の一定範囲だけ谷のようにストンと落ちてしまう現象のことらしいです。
見た目だけじゃなくて、音声でもあるらしいよ。

それはさておき、生人形は現存しているものが少ないらしい。
なぜかといえば、見世物としての用途が多く、興業が終われば壊されてしまったから。
浮世絵とは対照的な運命なわけです。
相撲生人形が現代まで残ったのはアメリカの実業家が買い取り、後に美術館に寄贈したおかげだそうです。
生人形を作る技術は受け継がれ人間国宝を生むにまで至るんだが、娯楽か芸術かでこんなにも扱いに差が出てしまうのね。

こりゃあ、アレだな。
オリエント工業の人形もビル・ゲイツあたりが買い取って美術館に寄贈すれば、100年後には日本が誇る超絶技巧としてＥテレあたりで紹介されるよ。

誰か！早くゲイツにプレゼンして！




東京右半分 都築 響一 (著)

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美術展 「白隠展 禅画に込めたメッセージ」感想 ある意味マンガイラストの原型なんじゃないの？

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寒い中、行ってきました。久々の渋谷Bunkamura。

スクランブル交差点を渡り、109を過ぎて、緩やかな坂をさらに上がっていくと眼に入ってくる「BVLGARI」やら「GUCCI」のロゴ。
エントランスをくぐれば「SWAROVSKI」。
なんていうかねー。ハイソサエティーっていうんですか？
自分の場違い感が半端ない。
まぁ、昔からこういうとこだけどね。松濤も近いし。

ただ、昔より場違い感が増した気がするのは・・間違いなく自分の現在の状況のせいだわな。
はぁ・・がんばろ。

それは、さておき白隠展ですよ。

知らない方に簡単に説明しておきましょう。
白隠慧鶴（はくいんえかく）は江戸時代中期を生きたお坊さん。
修行や説法の合間に、絵も描いていたというわけですね。
禅画って絵の中に教訓を書いたり、絵のモチーフ自体に意味付けがされてたりするので、これも布教の一環。ヒマだったわけじゃない。
ちなみに、絵は独学らしい。

まず、絵を見て思ったのは本当に300年前に描かれた絵なの？ということ。
表情が豊か、かつ、それが非常に現代マンガに近いというか。
それとデフォルメのセンスがすごいです。
ただシンプルにするだけじゃなくて、特徴を表す部分はオーバーに誇張してインパクトをつける。
太く単純な線があったかと思えば、指先などのディテールは細かく描き込まれている。
もう自由自在という感じです。

やはり独学のためか、例えば雪舟のようなカッチリとした緻密さのようなものはないです。
けれども、その分親しみやすい。
普段、水墨画みたいなものを見ない人にも馴染みやすいんじゃないですかね。
見てて楽しいですよ。

ちなみに、文字が達筆すぎてありがたい教えが全然読めなかったですが、解説にあったものの中に気になる一文が。

「子孫に金を残しても仕方がない。書物を残しても読みはしない。それよりも徳を積みなさい」

大企業の経営陣みたいな方々が頭に浮かびましたよ。
なんちゅうか、こういうのって変わらないんだね・・。




白隠 (別冊太陽 日本のこころ)

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美術番組 美の巨人たち「ルノワール作 浴女たち」感想 巨匠が最晩年にたどり着いた境地

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「もしも神が女性の乳房を創らなかったら、私は画家にはならなかったかもしれない」

そこらのおっさんだったらド変態の一言で切り捨てられるフレーズも、偉大な画家が口にすれば100年経っても語り継がれる名言に。
まぁ、言ってることについては、あなたが男だったら、わかる、わかるよ、その気持ち、とうなずいてくれるのではないだろうか。
・・ていうか、これ酒の席での冗談だったりしないだろうな。

今回の作品は、そんなルノワールが「生涯において探求した絵画表現の融合的作品」だそうです。
いったい、どんなおっぱ・・いや美がそこにあるのか・・ゴクリ。

それが、こちら。





えー！？

アカン、アカンって！

ビバンダムですやん、これ！


・・気を取り直して、解説をまとめよう。
ルノワールの画風は大きく分けると次の３つの変遷を経ていくらしい。

前期：印象派（「ムーラン・ド・ラ・ギャレット」など）

中期：古典への傾倒（かたい時代とも。これ知らなかった）

後期：柔らかく光り輝くような色彩に（今回の「浴女たち」など）

個人的に色彩は断然、後期が好み。
特に後期に入り始めくらいの女性像は本当にヤバイ。
それが、なんで３段腹に・・なぜだ・・。

諸説あるんだろうが、番組では若い頃にルノワールが模写をしていたルーベンスなどバロック絵画への原点回帰を紹介していた。
（肉体の誇張表現による生命賛美ってやつ）
また、絵の具の奥から光がくるような色彩は、画家になる前にやっていた磁器絵付の影響もあるとか。

この「浴女たち」はルノワールが試行錯誤を繰り返しながらたどり着いた集大成ともいえるわけですね。

・・できたら、ちょっと手前で立ち止まってほしかった気もするが。




西洋絵画の巨匠 (4) ルノワール

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